Años sesenta
Kraftwerk
Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la
BBC),
Ron Grainer y
Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión
Doctor Who (1963-1989).
A fines de los años cincuenta, el trombonista
Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell habían producido el
electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del
teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó su instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un
LP llamado Music from Outer Space (música del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de
The Beach Boys (1966).
La compositora y
clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada
Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes:
Bach enchufado (
1968) y
El sintetizador bien temperado (
1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado
sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras
polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía
grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el
secuenciador).
En 1966
Pierre Schaeffer fundó Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica.
RockEsos primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos teclistas, como
Keith Emerson (de
Emerson, Lake and Palmer) los utilizaban en sus recitales.
También el
melotrón aparece en
Strawberry Fields Forever de
The Beatles. Y el pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.
Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la costa oeste de EE. UU.,
Donald Buchla desarrolló sintetizadores que —al contrario que el Moog— no se basaban en un teclado.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron
The United States of America,
The Silver Apples y
Pink Floyd. Aunque no toda su música era electrónica (con la excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan
cliché que a mediados de los setenta, el grupo
británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».
Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado
kraut rock alemán, pero también en el
art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.
Años setentaLocal de Kling Klang, sello privado de Kraftwerk, en Düsseldorf
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana
Kraftwerk, que surgió de la corriente del
krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el
pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado
Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.
En Alemania, bandas tales como
Tangerine Dream,
Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la
música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la
música disco de los años setenta.
Otro importante músico es el francés
Jean-Michel Jarre, cuya formación se marcó con su entrada, en enero de
1969, al Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical), liderado por
Pierre Schaeffer (considerado el creador de la
música concreta), el que se configuraría como su maestro. Hijo de
Maurice Jarre (autor de importantes bandas sonoras cinematográficas, como las de Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965), ambas dirigidas por
David Lean), nacido en Lyon el año
1948, también estudia en el Conservatorio de París. Experimentador excepcional, en la década de 1970 publicó
Oxygene, el álbum que lo hizo globalmente famoso. Siendo su segundo álbum, vendió más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo y se convirtió en uno los mayores éxitos de la historia de la música francesa y en un emblema de la música electrónica de la era analógica con cerca de 86 millones de discos vendidos de toda su discografía. Incluso, Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China
post-Mao, en conseguir la mayor audiencia en directo en los cinco continentes con 3,5 millones de espectadores, en llevar la música electrónica a la
Ópera de París, en subastar una única copia de uno de sus
LP, en congregar más de un millón de espectadores en un concierto en la
Plaza de la Concordia de París en 1979 y 2,5 millones en La Défense, también en París, en 1990.
Sampleadores y synth popArtículo principal:
Synth popA fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los
sampleadores. Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas como
Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000
dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos como
Gary Numan,
Heaven 17,
Eurythmics,
Severed Heads,
The Human League,
Yazoo,
The Art of Noise,
Orchestral Manoeuvres in the Dark,
Depeche Mode y
New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos. En la música
New Wave, el grupo
Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo electrónico.
Años ochentaPionero de la música electrónica junto a Kraftwerk y Tangerine Dream, el griego
Vangelis acrecentó el interés del público general a comienzos de la década (ya espoleado por el Oxygene de Jarre) con su exitosa banda sonora para
Carros de Fuego, que abrió nuevas posibilidades sonoras para la música de cine. Su influencia se hizo aún más palpable al componer la partitura de la película de culto
Blade Runner. Sin embargo, serán músicos menos inmersos en el virtuosismo de los setenta quienes obtendrán una mayor difusión durante esta década.
Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música
techno (en
Detroit,
Míchigan, EE. UU.) y la
house (en
Chicago,
Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y
DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del
pop como la
EBM y el
electro pop de formaciones como
Depeche Mode y
Pet Shop Boys, dúo británico de gran influencia musical en la actualidad, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el
trance y el
dance europeo.
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de
acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como
Madonna,
Björk y
Moby han popularizado variantes de esta forma de música.
Música industrial
Música industrialLa habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos
estocásticos,
inarmónicos, de
estática llevó a un género de música conocido como
música industrial tal como
Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975),
Wavestar y
Cabaret Voltaire.
Algunos artistas, como
Nine Inch Nails,
KMFDM y
Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la
musique concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a las
guitarras de metal. Otros, como
Test Department,
Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos
(Robert Rich,
zoviet*france:,
rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (
Front 242,
Nitzer Ebb) combinaron esa aspereza con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o
Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta área está el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-
funk Tackhead, el
vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como
Meat Beat Manifesto y luego para los productores de
downtempo y
trip hop como
Kruder & Dorfmeister.
Jazz electrónico
Herbie Hancock en Madrid
En
jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo
Weather Report.
Joe Zawinul, el teclista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz
Herbie Hancock con la banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con el
productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Músicos como
Tangerine Dream,
Brian Eno,
Vangelis,
Jean Michel Jarre,
Klaus Schulze,
Ray Buttigieg y los japoneses
Kitaro e
Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de
Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja mecánica, el filme de
Stanley Kubrick sobre la novela de
Anthony Burgess).
La banda de sonido de Forbidden Planet (El planeta prohibido), de
Louis y
Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.
Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como
Blade Runner y la serie
Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas sonoras.
Años noventa
Durante la revolución informática de los años 90 se extendieron las tarjetas de sonido que, una vez insertadas en los PC permitían la manipulación digital del sonido a bajo coste.
En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países se incorporaron elementos nuevos, como es el caso del
jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña, o el
trance que nació al comienzo de esta década en los clubes de
Frankfurt am Main Alemania, también el
dub o el
nortec, derivado de la música tradicional mexicana y la electrónica.
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el
Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como el
progressive y el
deep house.
En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadoras.
======>electro es un tipo de musica que usa SINTETIZADORES ANALOGICOS Y DIGITALES de forma constante creando musica de ritmos sincopados y sonidos que solo se pueden hacer electronicamente... se caracteriza por su ritmo y sus pasos de baile...en el electro es muy comun que los DJs remixen las canciones de otros. por eso hay tantas versiones de canciones.. la mayoria de las canciones de electro buenas y exitosas son d estados unidos y europa..
